In this virtual exchange of correspondence Vanessa Vargas and Betina Barrios share their day to day experiences with each other. They remember moments lived when they were only a couple of miles apart and they still shared the same city skies. In the exchange of these digital letters they reveal ways in which they live as immigrants and how that influences their writing and the way they move. What supports them is their friendship, the bond that they have developed, the habit of reading and the sea.

—Nicole Soto Rodríguez, CC Co-editor, 2023

El Covid-19 hizo migrar la danza de los teatros al espacio digital. En ese espacio, los cuerpos descubren una tensión entre sus dimensiones online y offline. Esta tensión es experimentada en cinco frentes: 1) la relación del cuerpo con la pantalla; 2) la ausencia de contacto y las prácticas en solitario frente a la cámara; 3) la saturación de imágenes en redes sociales; 4) los cambios en las ideas de presencia, archivo, y memoria; y 5) la precariedad de acceso a las tecnologías digitales. El presente texto considera estas variables para imaginar el futuro de la danza apostando a la experiencia del cuerpo a cuerpo, pero sin renunciar a la comunicación digital, intentando entender las relaciones entre unas (presenciales, offline) y otras (no-presenciales, online) como prácticas artísticas expandidas.

-NEXT: IMAGINAR EL POSTPRESENTE Filosofía, arte y tecnología en la cultura digital. Caracas, 2021. Humberto Valdivieso y Loreja Rojas Parma. Editores / Compiladores. 2021

"Celebrar la danza en tiempos de coronavirus" de Vanessa Vargas, publicado en TalCualDigital, reflexiona sobre cómo el Día Internacional de la Danza (29 de abril) fue conmemorado durante la emergencia sanitaria global de 2020. La pieza aborda la migración forzada de la danza, que se vio obligada a dejar los teatros y espacios físicos para trasladarse completamente al ámbito digital debido al confinamiento. Este cambio drástico, si bien permitió la continuidad de la celebración y la práctica a través de plataformas virtuales, también generó una tensión fundamental al obligar a bailarines, coreógrafos e investigadores a redefinir el cuerpo y el movimiento en un nuevo contexto que confronta las dimensiones online y offline de la experiencia artística.

-TalCualDigital. 29 de abril de 2020

El libro propone la revisión de experiencias intangibles, específicamente la danza y la performance, como formas sociales de comunicación en sus múltiples y complejas dimensiones: el fenómeno de la migración, el uso de performance en las protestas en Venezuela, los procesos artísticos en la danza contemporánea, la censura y la soberanía del cuerpo en la práctica artística, así como los retos y potencialidades del uso de las tecnologías y los medios de comunicación en la danza.

AB Ediciones / Universidad Católica Andrés Bello. BACIYELMO, 2021

El siguiente texto explora la conservación de la memoria material e inmaterial de la danza contemporánea en Venezuela a partir de la noción de excepción de Mark Franco. La danza contemporánea en Venezuela, al menos aquella que se mantiene autónoma con respecto a las políticas culturales del Estado, enfrenta el problema de una politización que incide en sus modos de producción, consumo, y preservación. Esta dinámica, parece no ser sustentable en el tiempo. Haciendo énfasis en las prácticas corporales como lugares de resistencia y creación, su relación con nuevas prácticas y tecnologías, y su lugar en el consumo cultural contemporáneo, propongo abordar esta temática a partir de las teorías desarrolladas por Mark Franco a propósito de la danza y su relación con regímenes totalitarios, así como a través de las investigaciones sobre archivo y repertorio propuestas por Diana Taylor y André Lepecki (entre otros investigadores) incorporando entrevistas y testimonios de expertos, así como investigación documental, para exponer los retos, prácticas y potencialidades en relación a los materiales efímeros, concentrándome en la vulnerabilidad de la transmisión de su memoria.

-Revista Congreso INVECOM, 2019.

El artículo rinde homenaje a John Lange, uno de los grandes artífices del diseño y la modernidad cultural en Venezuela, tras su fallecimiento en 2018. El texto destaca su influyente trayectoria como director del Instituto de Diseño Neumann, curador y museógrafo, pero se centra especialmente en su profunda y duradera colaboración con el Taller de Danza de Caracas, dirigido por José "El Negro" Ledezma. Durante más de 20 años, Lange no solo diseñó innumerables carteles y programas de mano, sino que su trabajo definió el lenguaje estético y gráfico de la compañía, creando una simbiosis entre la impecable precisión de la danza y la elegancia del diseño gráfico. Gran parte de este valioso archivo, que encapsula la memoria de una "modernidad perdida" y el diálogo entre el arte escénico y el diseño, se conserva aún en la histórica oficina del Taller de Danza, en el penthouse de la Torre Tajamar en Parque Central.

-El Estímulo/Clímax, 22 de noviembre de 2018.

Pensar en la movilidad parece estar inevitablemente relacionado con la noción de superficie; es decir, la configuración de un área designada, una referencia específica a una cierta representación de un territorio, o una coordenada geopolítica y, por tanto, de una manera, no natural, totalmente representacional que define el movimiento. Por eso es importante considerar conceptos como la movilización y la migración, y cómo la experiencia de nuestra relación Estado-Nación transforma la corporealidad, incluso nuestra consideración del cuerpo sobre un paisaje designado. Precisamente en estos casos -los que implican representación y subjetivación- en los que nuestra comprensión común del cuerpo se hace insuficiente. Esto, me gustaría pensar, podría ser abordado a través de la danza contemporánea, ya que en ella la fisicalidad del bailarín pudiera aportar nuevas subjetividades. ¿Cuál podría ser la contribución de la coreografía en el contexto de la movilización global? ¿Cómo podemos bailar y actuar, fuera de la relación Estado-Nación, creando un camino, una ruta, una frase de movimiento alternativo, basado en prácticas colaborativas y procesos creativos?.

-2 (da) Cuadernos de danza, 2017.

Un gesto es una unidad mínima de significado, tal y como una palabra puede serlo, aunque a primera vista un abismo parezca estar entre un modo y otro de aparición del fenómeno comunicacional. El reconocimiento de estas unidades mínimas de significado, independientemente de que estén insertas necesariamente en un proceso de transmisión deliberada y transparente de contenidos, aparecen como un campo de significación tan legítimo como el de la palabra hablada o escrita y, en ese sentido, incluso independiente de ésta: la palabra no se inserta necesariamente allí donde originalmente se encuentran un gemido o un gruñido cualquiera. La gestualidad es así comprendida como una textualidad de cuño diferente, y el cuerpo humano como un espacio-ser generador de signos que se encuentra en constante proceso de comunicación.

-Revista SIc, 2016.

A partir de su experiencia como perfomer de la muestra Yoko Ono: One Woman Show, 1960-1971 que tuvo lugar en MoMA, Vanessa Vargas descompone desde el trabajo de autoetográfico esta exhibición: a finales de 1971 Yoko Ono debuta en el Museo de Arte Moderno de Nueva York con una exhibición no autorizada, en la que la artista liberó moscas en el museo. Se suponía que el público debía luego seguirlas en su recorrido mientras éstas se dispersaban por toda la ciudad. 44 años después -y ahora con la debida autorización- el mismo museo inauguró, el 17 de mayo de 2015, Yoko Ono: One Woman Show, 1960-1971, la más reciente exposición sobre el trabajo de esta artista, curada por Klaus Biesenbach y Christophe Cherix. La muestra exhibió una importante colección de la obra temprana de Ono, que incluyó además performance, grabaciones de audio y proyecciones de video. Sin embargo, concentrar nuestra atención en el re-performance del trabajo de Ono ofrece una posibilidad particular para abrir el debate sobre la noción de experiencia en el performance en tanto evento efímero, específicamente en el contexto del mundo del arte contemporáneo, en el marco de una actividad que ya en 1960 fue concebida como ajena a la lógica de las prácticas museísticas. A partir de aquí, quiero ofrecer una discusión acerca de la dinámica de la mercantilización y la reproducción del performance, que hoy en día se enfrenta a la necesidad del diálogo y la negociación con los procesos de exposiciones en estas instituciones, así como a decisiones curatoriales vinculadas a los procedimientos del museo.

-Revista Backroom, 2016.

Existen diversas formas de migrar. Sin embargo, todas ellas se experimentan desde el cuerpo e implican, en mayor o menor grado, movimiento. Podríamos afirmar que el cuerpo es el lugar primordial de la experiencia y, por ende, el cuerpo migrante es el recipiente de las vivencias de movilidad, transición y desplazamiento. Migrar es entonces un performance de larga duración, ya que es tanto ritual como supervivencia: posee una dimensión simbólica y estética, pero también una política y geográfica. La migración está condicionada por estructuras dominantes, no solo a través de las representaciones del cuerpo en sí, sino también por los límites sobre los que reposa la idea del Estado-Nación. La migración es un evento performático en sí mismo: implica la experimentación con el propio cuerpo y las fronteras que recrean sus límites; supone transgresión y también creación. En el acto de migrar, el cuerpo yace en el lugar donde somos nosotros mismos, pero a la vez, no lo somos.

-Backroom Caracas, 21 de julio de 2016.

"Arte, Migración y Derechos Humanos" documenta un curso intensivo de tres semanas realizado en agosto de 2015 en Chiapas, México, por 38 participantes internacionales del Hemispheric Institute of Performance and Politics. Este proyecto buscó confrontar la magnitud de la crisis migratoria en las Américas, explorando la violencia generada por el neoliberalismo y el crimen organizado, a través de una metodología que integró la teoría académica, una semana de trabajo de campo visitando albergues y puntos de control en el sur de México, y la creación de una acción performática colectiva y este dossier. El resultado es un esfuerzo colaborativo que articula el conocimiento, el arte y el activismo en torno a cinco ejes temáticos centrales: la reconfiguración de la migración, las dinámicas de control y seguridad fronteriza, las redes de apoyo y resistencia, las experiencias de género y sexualidad en la ruta migratoria, y la política del cuidado y el trabajo forense.

-Hemispheric Institute of Performance and Politics, New York University 2015.